最初的艺术理论

最初的艺术理论

  一篇关于乔治·瓦萨里《The Lives of the Artists》序言的简单执悟,感谢与@重生字幕组的交谈。

撰文:arvin wei


乔治·瓦萨里是画家、建筑师、历史学家、作家。他的文字作品《Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects》被认为是艺术史写作的思想基础。时至今日,艺术史类书籍仍深受其影响。他的名字常出现在艺术理论书籍中,他的文字也在各类书籍中被引用,那么他的原作究竟是什么样子,相信一般读者可能会产生好奇,是什么样的一本书造就了其享有盛名?

有幸阅读到一篇英文版的《The Lives of the Artists》序言,对以下部分句子作以简单分析。

 

  • 原文:But it is my opinion that design, which is the foundation of both arts, and the very soul which conceives and nourishes in itself every part of the intelligence, came into full existence at the time of the origin of all things, when the Most High, after creating the world and adorning the heavens with shining lights, descended through the limpid air to the solid earth, and by shaping man, disclosed the first form of sculpture and painting in the charming invention of things.
  • 译文:但我认为,设计孕育、滋养了艺术和智慧的每一部分,并成为其灵魂的基础,万物起源之时就已拥有其完整的存在,起源之初,在创建了世界和用闪耀的光线点缀天空之际后,透过清澈的气体抵达到固状的大地之上,用令人着迷的事物塑造出人体的形态,这也就是第一种雕塑和绘画的形式。

 

此段描写甚美,直接将雕塑与绘画拉到了创世之初,赋予其至高无上的地位,将其作为一种可触碰级的类神存在。同时,有一个关键的单词“full”,更愿将其理解为“完全的”、“满的”。也就是说,在创世之初,其设计就已经达到了设计的最高的点,后来者是无法超越的。其答案是我们无法超越自然美,只能无限接近。这或许是为什么有无数的艺术家痴迷于“再现”艺术的原因,因为接近完美的“再现”,就是无限的接近于近神一样的存在。另一点,其文中,诉说了第一种雕塑和绘画的形式,这里也可以理解为形态或形状,那就是人体。乔治•瓦萨里将人体作为第一形态,强调了人体自身的存在的价值。这种迫不及待的试图通过人体证明自身存在的方式,其在创世类型的故事里并非常见,或是极少遇见。而在这简短的文字中,人体却极富寓意的成为了第一个雕塑和绘画的形态,也使得人与艺术之间的关系密不可分。这不禁让当今的人们,回想起“只有有人的地方才有绘画,只有有人的地方才有艺术”类似这样的语句。与此同时,也道出了雕塑和绘画的初始形态,其非他物,而是人体本身。

如果将艺术家创造作品比作为创世过程,那么上面的话,就更易被理解。白布面前,万物混沌,光线在空气中照耀在画布上,形成了初始形态的“earth”,也就是世界。无论绘画者以何种方式思考,笔刷以何种角度触碰画布,只要笔刷与画布触碰的那一刻开始,这一最初的笔触绘制的就不是他物,而是人体本身,雕塑亦然。

 

那么,无论艺术家在绘制什么类型的作品时,其基础都是在以人为起点展开。

 

  • 原文:Who will deny that from this man, as from a living example, the ideas of statues and sculpture, and the questions of pose and of outline, first took form; and from the first pictures, whatever they may have been, arose the first ideas of grace, unity, and the discordant concords made by the play of lights and shadows?
  • 译文:谁会否认,从这个人身上,就像从一个活生生存在的实例中看到的那样,雕像(小的)和雕塑的构思,以及其姿势和轮廓的困惑,最初是以这种形式出现的;最初的图像,无论它们以何种形式存在,难道不都是由光与影的不一致组建起来的第一个优雅、完美的和谐观念吗?

 

此段紧接上文,继续描写“第一种雕塑和绘画的形式——人”。“living”又更进一步的具化了其形象的可触、可见性。而将艺术品从创世神化的开始,回归到现实生活中。这样便可引出后文的“艺术工匠”,使得工匠或艺术家的作品在具有其神性的同时,又保持了其对人类的可亲性。好似生活中的“火”,盗于神,用之于人。人对“火”未免会产生其敬佩、敬畏之情,又可享受其为自身带来利己作用。

“lights and shadows”,指出了光与影在绘画和雕塑的重要性。艺术品要归于对光与影的组建。从另一个角度看,如果没有光与影,那么就不涉及图像的组建,也就无从建立一个初始的图案。这点很好的解释了,为什么史上艺术家们痴迷于对光影的追逐。当今,光影也一直被强调;部分作品转向对色彩、声音、触觉、情感、其他一系列元素的追逐。视觉类作品,有一件事不要忘记,如果没有了光,那么无论是多么鲜艳的色彩、多么强烈的情感、都是无法被得到的,而有光的地方必有影,只是以何种形式存在的问题罢了。

 

  • 原文:Thus the first model from which the first image of man arose was a clod of earth, and not without reason, for the Divine Architect of time and of nature, being all perfection, wished to demonstrate, in the imperfection of His materials, what could be done to improve them, just as good sculptors and painters are in the habit of doing, when, by adding additional touches and removing blemishes, they bring their imperfect sketches to such a state of completion and of perfection as they desire.
  • 译文:因此,第一个形态源自人的第一个图像,它起源于大地上的土块,这是并非没有缘由;神作为时间和大自然的建筑师,他是如此完美;当其不完美,其物质存在缺陷之时,可以做什么来改善这些物质,这时,就好比优秀雕塑家和画家通常做的那样,此时,优秀的艺术家会添加额外的修饰和移除瑕疵,艺术家们带来了他们那不完美的草稿作为他们所谓的完整状态和他们渴望完成的状态。

重新赞美了自然的伟大,神的伟大,又展现了其世上的完美状态。后面的文字,作为其补充,是如何达到其完美状态。也就是,如何将非艺术品转为艺术品的过程,提出了添饰去瑕的基本的思路。

首先假定得到的物质非完美,也就是非艺术品。那么经过艺术家的添饰去瑕后,这个物质也就以一个完美的状态展现出来,也就是艺术品了。相对的,艺术家所作的事情,具有类神性,将物质转化为完美的存在。

一个问题引申出来了,那么除了神所做是完美的以外,艺术家所谓的“完美”究竟是什么?文中最后一句话,也做了一个回答。“they desire”,注意这里用的是“they”,也就是“艺术家们”,而非神了。艺术家们通过自己预想出来的草稿,作为其完整状态的一个起始点,展开添饰去瑕的工作,达到他们所渴望的完成状态。那么,其“完美”是完成艺术家们所渴望的完整状态。这时,就已经完全脱离了神,成为艺术家个人的需求了,也就是人的需求了。


以上内容仅供参考,图片源自维基百科。

@geto2net

via:geto2.net