《艺术流派鉴赏方法》摘录

“艺术作品永远都不是单独存在的,它永远都离不开其他的艺术作品” ,这是罗贝尔托·隆基1950年写的一句话,“要开始一部作品至少要和另一部艺术作品建立起联系。”

 

印象派画家放弃了棕色底的油画布,重新配置了颜料的色彩,而且还使用了新的调色盘。

 

印象主义流派作品对现代文艺(ps:个人觉得是文学)的影响可以从左拉小说中的句子看出:“太阳直线照射在白色的裙子上;树木的阴影将阳光下的小路和裙摆照映成一片灰色。没有比这样的效果更加奇妙的了……仿佛裙摆上的布料被阴影和阳光分割成两部分一样。

 

新印象主义流派(ps:修拉,点彩派)重新回到了封闭的画室,放弃了露天作画的方式,而是完全沉浸在正统的作画过程之中。他们作画的草图都严格按照正统作画的要求,在视觉效果上追求谢弗勒的非自然主义和奥格登的物理主义。(ps:实验性的尝试)

 

奥格登·N霍德的色彩三角分割图,发表于1879年《现代色彩》杂志。

 

(修拉,大碗岛)可以说这幅作品是从印象派风格到综合型风格的过渡。另外,空间的描绘打破了普通视觉原理的束缚,给观赏者全景浏览之感。

 

高更对他的学生说:“不要太模仿现实了,艺术是抽象的:在对现实描绘之前应该先在心中想象它的模样。”这便是高更的作品《布道后的视觉》中的作画原则。

 

(纳比派)他们作品中想要还原的现实总是非常简单,使用二维式绘图效果,喜欢用阿拉伯蔓藤花纹和网状轮廓。纳比画派属于象征主义流派,他们试图寻找最前沿的装饰元素,还会在日本浮世绘和埃及绘画中取经,尤其是中世纪时期的玻璃窗花是他们的主要学习对象。《艺术流派鉴赏方法》(以上内容,书中摘录,仅供参考,其他书中关于纳比派的介绍很少出现上述观点和词汇)

 

克利姆特的流动线条风格(席勒的作品也有该特点)都来源于柯克西卡。从《索梅尔剧院展览》这幅作品中,我们便可以看到这种独具风格的线条描绘,十分具有煽动性和讽刺性……

 

马蒂斯:“一平方厘米的蓝色色块的表现力是绝对无法与一平方米的蓝色色块的表现力相比的。” 《艺术流派鉴赏方法》 (ps:此书在引用句子时,并未标注出处,仅供参考) ​​​​

 

桥派的大部分画家都坚持认为艺术是一种表现内心世界并与现实进行对照的手段,……

 

安德烈·戴俪尔 对原始部落艺术充满极大的兴趣和热情,他同毕加索一起在巴黎特罗卡德罗博物馆潜心研究,后来又去伦敦大英博物馆进行临摹和学习。

 

(立体主义)1907年,志同道合的两个人开始接触:当时毕加索画了《亚威农少女》,当时他的创作还处于原始主义风格阶段,布拉克则在塞尚的工作室工作。

 

格里斯的“合成”技法将传统的立体主义追求形体的过程进行了革新,他说:“我作画的开始都是进行结构性组织和安排,然后我再把静物摆在我需要的位置上……我试着去把抽象的东西具体化。我从普遍一般的开始,再到具体的特殊的,这样就能够真正实现从抽象到现实的过程了。”

 

贾科莫·巴拉的父亲是一名专业的摄影师,他在绘画创作中引入了照相机的延时拍摄原理。他从1872年摄影师依德维尔德的相片中获得灵感,后来在偶然的机会下认识并请教了物理学家恩蒂恩讷·朱尔斯,从而最终完成了这幅具有延时摄影效果的画作。(《链条狗的奔跑》

 

保罗·克烈在1910年写道:“自然,以及对自然研究的重要性,都不及对色彩本身的研究。我需要做的是,在画水彩画的时候,自由地运用我手中的调色盘,去创造色彩的能量。

 

《突尼斯近郊的圣日尔曼》……按照保罗·克烈自己的解释来说,“可以让那些隐藏起来的东西变得清晰可见”。

 

抽象艺术反对模仿现实事物的手法,他们呼吁从对现实的模仿中脱离出来,开创一种视野更加宽阔、在形象和色彩表现方面都极为大胆、具有先锋意识的艺术风格。

 

贾科莫·巴拉的《模糊的穿越》。他用富有节奏规律的长三角形来表现色彩的视觉渐变。几何形状的相互交叉随着颜色的冷暖深浅进行韵律渐变,从紫色渐变到绿色,再从浅色渐变到深灰,从浅绿色冷色渐变到大红暖色。这幅画呈现出绵延不断之感,其画幅仿佛就要冲出画框的限制。

 

同勃拉克和毕加索的立体主义风格不同的是,俄耳甫斯主义追求的“同时性”表现技巧主要借鉴了塞尚的过度画法。塞尚的这种技法为未来主义流派和俄耳甫斯主义流派奠定了基础,他们对色彩分割的视觉原理进行了继承和发扬,追求灯光下的光影效果(不再是新印象主义流派和分割主义流派强调的自然光效果)。《艺术流派鉴赏方法》

 

罗伯特·德劳内:“绘画就好像音乐这种听觉艺术一样,本身是无法具体存在的,它是一种视觉艺术,它的形象、节奏、韵律和发展都从绘画这门艺术本身开始,这就好比音乐这种艺术的存在,不是说音乐本身就能够出声来,而是由音符之间高低起伏的关系形成的。”

 

当时罗曼·雅克布松和画家舒金常常一起去参观画展,而舒金又是一位具有理论素养的艺术家,他提出了十分新颖的创作思想:不从现实中获取具体生动的形象,而从结构入手,选择一个抽象简单的形状,哪怕是三角形,圆形或正方形等,去创造绝对化的形象。

 

卡西米尔·马莱维克1915年系列画展“0.10”有39部作品。……马莱维克将注意力集中在对称性构图和手工绘画上。对于使用白色和黑色两种颜色,他解释说:“黑色和白色是塑造形状的两种最根本的力量。”

 

即成主义的视觉效果往往需要通过观赏者亲自前往展览现场去体验才能够真正实现。

 

杜尚让摄影师阿尔弗雷德·斯提耶兹拍摄了《喷泉》的照片,并发表在杂志《The Bind Man》上,作为贝阿特里切·伍德文章的插画。

 

伍德在这篇文章中写道:“穆特先生(即R.Mutt,也就是杜尚本人的假名)是否亲手制作了这座《喷泉》并不是真正重要的,重要的是他选择了这种表现方式。他只是使用了日常生活中再普通不过的元素,但是却强调了这个元素极具特色的功能性。画家(艺术家)用他自己的视角去展现这种物质性的功能——他为这个便池开创了全新的概念。

 

蒙德里安使用绝对的二维空间构图,呈现出共同空间之感。在这样一个“乐章般”的空间里,随着色彩和格子体积的变化,呈现出和谐的美感。

 

“所有的物体都回归于本身的体积和厚度,画中呈现出简洁、稳定的结构美。”

 

毕加索:“对我来说,艺术既没有过去,也没有未来。如果一个艺术作品不能够在当下生存,就不值得被欣赏。希腊、埃及等远古时代的艺术也绝非过去的艺术形态。也许’今天’是最为鲜活的一刻。可以说艺术本身并不存在什么进化:只是人们的思想和观念在变化,其表达的方式就不尽相同罢了。”

 

艺术家认为雕塑是一个“单元”,需在空间中创造出延伸感。《空间构成4号》这一作品整合了平面和曲面,因此观者欣赏的视角非常多样,从正面角度到纵深角度不断转换。

 

(西格蒙德)佛洛依德的心理分析研究对超现实主义的发展具有决定性的意义,他的浅意识、快乐原则、症状、梦、冲动、恐惑等相关理论均被超现实主义吸收,创造出一个介于意识和潜意识之间的边缘地带。

 

曼·雷,《Ernak Bakia》,1927年,1970年复制,私人收藏。(天然艺术品章)

 

马里奥·托茨,《晨曦》,1928年,布面油画。米兰,现代艺术市立画廊。 ……艺术家在作品中运用了雕塑的表现手法,尽管这两个形象有雕塑感,整个画面太却色调温暖。

 

(新客观主义与奇幻现实主义)在第二次世界大战中战败后,德国面临着巨大的经济和社会危机,因此需要回归更成熟的绘画艺术。回归秩序,即回归古典,也就是回归到绘画的表面、画家身份,而不是它的内容。

 

克罗斯茨在1921年写道:“人不再是个体……而是一个集体,近乎机械的概念。个人命运不再重要。

 

查尔斯·希勒在1927年……在三个星期的时间内拍摄了32张照片,其中有些发表在发行量很大的杂志上,有些则作为作品展出。三年后,这些摄影作品都成了画作。

 

(抽象意识与具体艺术)“非形象的艺术”,主要表明两个方向,即“不是那些通过对自然形式进行抽象而表达的形象”和“不是那些通过对纯粹几何秩序或者仅使用那些普遍被认为抽象的元素,如圆圈、板(平面几何体?)、栏杆(网状的线体?/构成点线?)、线条而得到的形象”。 《艺术流派鉴赏方法》(ps:貌似译文有点问题哇)

 

弗朗茨·克莱恩在绘画中引入了黑白色调。这些清晰分明的符号看似艺术家快速在画布上描绘出来的结果,但事实上,这却是一个缓慢而细致的我工作,艺术家用宽度不超过三厘米的小刷子慢慢描绘出这些形象。

 

(滴画法,杰克逊·波洛克)滴画法是抽象表现主义中最重要的绘画方法(ps:之一?),而这也是与动作绘画联系最为紧密的一种风格。

 

滴画法的宗旨是让绘画具有“生命”。第二年,汉斯·纳姆斯纪录了艺术家的创作过程和绘画方式。这些照片和影像资料让滴画法在同时代的艺术家中声名大噪,并推动了随后的艺术研究。波洛克的绘画方向为横向而非纵向,画室的墙壁和地板都铺上了画布。

 

波洛克在面对纳姆斯的镜头时说道:“……有时我看不见画了。但我不害怕改变,我也不害怕破坏画面,因为我想让作品有它自己的生命。”

 

在经历了战争后,简·杜布菲开始拒绝西方逻辑,其画作中丝毫没有理性的痕迹,也没有透视空间和构成层次。他在1945年写道:“思维空间与透视三维空间不同,也没有必要应用上下秩序。”

 

空间主义认为,艺术应该和科学、技术相联系。1948年的宣言上写道:“我们不认为艺术和科学是两个截然不同的学科。艺术家早就做了科学家的事情,而科学又影响着艺术。”

 

“具体”艺术展览的作品都用照片记录了下来,因为这是瞬间就会消失的作品。20世纪下半叶的艺术家也主要采用了摄影手法来参与艺术创作。

 

(单色绘画)克莱因通过向“情感”这个单词求助来解释单色的选择,同样,马克列维奇的至上主义也基于“纯净的情感至高无上”。对于克莱因来说,颜色就是“纯净感性的空间”和“单色空间”,是通向一切,通向无边无际的绘画情感的道路。

 

(极少主义)特点为形式与物体的绝对突出,摒弃一切与具体表象无关的内容。这些作品没有底座,与观众共享一个空间。因此作品可以改变:根据光线及观者的角度发生变化。


文字摘录自:《艺术流派鉴赏方法》 ISBN: 9787805017600

图文无关;读书札记摘录,未校队是否与原文完全相符,仅供参考。